Walt Disney ~

Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 – Los Ángeles, California, 15 de diciembre de 1966), fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Fue el fundador, junto con su hermano Roy O. Disney, de The Walt Disney Company, empresa que en la actualidad genera unos ingresos anuales de 30.000 millones de dólares, y el principal artífice de un estilo inconfundible de películas de dibujos animados.


Los comienzos

Walt Disney nació el 5 de diciembre de 1901 y tuvo la infancia típica del hijo de un granjero. Su padre, Elias Disney (1859-1941), de antepasados irlandeses, había llegado a Estados Unidos desde Canadá y se había instalado en Chicago poco después de contraer matrimonio con la maestra de escuela Flora Call (1868—1938), en 1888. Walt nació en 1901, siendo el cuarto de los cinco hijos del matrimonio. En 1906 —según algunos, huyendo de la creciente criminalidad existente en Chicago—, la familia se trasladó a una granja en las cercanías de Marceline, Missouri. Más adelante, Disney diría que esos fueron los años más felices de su vida. Como tanto él como su hermana menor, Ruth, eran demasiado pequeños para ayudar en las labores de la granja, pasaban la mayor parte del tiempo jugando. De esta época datan los primeros escarceos de Disney con el dibujo y su gran afición por los trenes. Este período idílico concluyó pocos años después. En 1909, Elias Disney cayó repentinamente enfermo de fiebres tifoideas, y, a pesar de contar con la ayuda de sus hijos mayores, se vio imposibilitado de continuar trabajando en la granja. La vendió a regañadientes, y la familia vivió en una casa alquilada hasta 1910, año en que se mudaron a Kansas City. Para el joven Disney fue muy duro tener que abandonar su paraíso rural. En Kansas City, Elias empezó a trabajar repartiendo periódicos para el Kansas City Star. A Walt y a su hermano Roy les correspondió ayudar a su padre en el reparto, un trabajo duro que requería levantarse todos los días a las doce de la noche. De acuerdo con los archivos de la escuela pública del distrito de Kansas City, Disney empezó a asistir a la Benton Grammar School en 1910, y se graduó el 8 de junio de 1911. No fue un buen estudiante: a causa de su trabajo repartiendo periódicos, le costaba concentrarse y con frecuencia se quedaba dormido. Era propenso a soñar despierto y a pasar el tiempo haciendo garabatos. Elias, dejó su trabajo como repartidor de periódicos y se convirtió en uno de los propietarios de una empresa dedicada a elaborar bebidas carbonatadas, la O'Zell Company, radicada en Chicago. La familia se trasladó a esta ciudad, y Disney continuó sus estudios en la McKinley High School de Chicago. Al mismo tiempo, trabajaba para su padre y asistía por las tardes a clases en el Instituto de Arte de Chicago. A los 15 años, Walt consiguió un trabajo de verano vendiendo periódicos y chucherías a los pasajeros del ferrocarril de Santa Fe. Le interesaba mucho más el tren que su trabajo, en el que no tuvo demasiado éxito, ya que con frecuencia le robaban la mercancía. Walt Disney junto a la ambulancia de la Cruz Roja que conducía en Francia. En sus años escolares, Disney fue el historietista del periódico del instituto, The Village Voice. Sus cómics eran de tema patriótico y político, centrados en el tema de la Primera Guerra Mundial. En 1918, queriendo seguir los pasos de su hermano Roy, que se había enrolado en la marina, abandonó el instituto para alistarse en el ejército. No fue aceptado por ser demasiado joven. Enterado de que el cuerpo de ambulancias de la Cruz Roja admitía a chicos de diecisiete años, Walt falsificó su certificado de nacimiento para hacer ver que había nacido en 1900 en lugar de en 1901, y había cumplido ya los diecisiete. Fue admitido, pero nunca llegó a entrar en combate. Cuando terminó su entrenamiento y fue trasladado a Europa, Alemania había firmado el armisticio, y la guerra había terminado. Pasó el resto de su tiempo en la Cruz Roja como conductor de ambulancias en Francia, trasladando a oficiales. Se entretuvo llenando de dibujos la ambulancia que conducía. Fue también en esta época cuando empezó a fumar, un hábito que le acompañaría durante toda su vida. En 1919 solicitó ser relevado de sus obligaciones militares y fue enviado de regreso a Estados Unidos.


Comienzos en la animación

Decidido a seguir una carrera artística, se trasladó a Kansas City. Su hermano Roy trabajaba en un banco por la zona y, gracias a un amigo, le consiguió un trabajo en el Pesemen-Rubin Art Studio, donde Walt se dedicó a crear anuncios para periódicos, revistas y cines. Allí coincidió con otro dibujante, Ubbe Iwwerks, con el que trabó amistad, y ambos decidieron empezar su propio negocio. Disney e Iwwerks (quien acortó su nombre a Ub Iwerks) fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Artists" en enero de 1920. Por desgracia, no consiguieron demasiados clientes, y finalmente tuvieron que abandonar. Ambos fueron contratados por la empresa Kansas City Film Ad, en la que trabajaron en anuncios, realizados con primitivas técnicas de animación, para los cines locales. Disney estaba fascinado por las posibilidades de la animación. Pasó varios días en la biblioteca pública de Kansas City hojeando libros de anatomía y mecánica. Leyó también un libro de Edweard Muybridge acerca de la animación. Aprovechó su tiempo en Film Ad experimentando con animación y técnicas cinematográficas. Incluso cogió prestada una de las cámaras de la empresa para experimentar en casa. Después de dos años en Film Ad, Disney creyó que había adquirido la experiencia suficiente como para emprender un nuevo negocio por su cuenta. En 1922, fundó la empresa Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada a realizar cortometrajes animados basados en cuentos de hadas populares y relatos para niños, como Cenicienta o El gato con botas. Entre sus empleados estaban Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell, y Friz Freleng. Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City, pero sus gastos de producción excedían a los ingresos que proporcionaban. Tras crear su último corto, la mezcla de acción real y animación Alice's Wonderland, el estudio se declaró en bancarrota en junio de 1923. Disney decidió entonces trasladarse al floreciente centro de la industria cinematográfica, Hollywood. Vendió su cámara y obtuvo el dinero suficiente para un viaje de ida en tren a California. Dejó atrás a sus amigos y antiguos empleados, pero se llevó con él la película de Alice's Wonderland. Llegó a Los Ángeles con cuarenta dólares en el bolsillo y una película sin acabar en su maletín. Su propósito era abandonar el cine de animación, creyendo que no podría competir con los estudios de Nueva York. Pretendía convertirse en director de películas de acción real, y recorrió sin éxito todos los estudios buscando trabajo. Al no encontrarlo, optó por volver a intentarlo con la animación. Su primer estudio en Hollywood fue un garaje en casa de su tío Robert. Envió la película Alice's Wonderland a la distribuidora neoyorquina Margaret Winkler, quien mostró un gran interés por la película y contrató a Disney para producir más películas combinando animación e imagen real. Se reunió con su hermano Roy, que se estaba recuperando de una tuberculosis en un hospital de veteranos de Los Ángeles, y le convenció para que se encargase de la gestión económica del estudio. Roy estuvo de acuerdo. A petición de Disney, la actriz protagonista de Alice's Wonderland —Virginia Davis— y su familia se trasladaron a Hollywood desde Kansas City. Lo mismo hicieron Iwerks y la suya. Este fue el comienzo del Disney Brothers' Studio, el germen de la futura The Walt Disney Company. Las nuevas películas, llamadas "Comedias de Alicia" ("Alice Comedies"), tuvieron bastante éxito. Después de Virginia Davis, quien dejó la serie al no aceptar Disney las exigencias de aumento salarial de sus padres, fueron protagonizadas por las actrices Dawn O'Day y Margie Gay. Más adelante Lois Hardwick asumió brevemente el papel. Por el tiempo en que concluyó la serie, en 1927, el centro de atención eran más los personajes animados —en particular un gato llamado Julius que recordaba al gato Félix.


Oswald el conejo afortunado

En 1927, Charles B. Mintz, que se había casado con Margaret Winkler y había tomado las riendas de su negocio, solicitó una nueva serie de películas, solo de animación, que serían distribuidas por Universal Pictures de Carl Laemmle. La nueva serie, "Oswald el conejo afortunado", fue un éxito casi instantáneo. El personaje fue creado y dibujado por Iwerks. Su éxito permitió el crecimiento del estudio, y Walt pudo volver a contratar a Harman, Ising, Maxwell y Freleng, de Kansas City. En febrero de 1928, Disney viajó a Nueva York para negociar un nuevo acuerdo económico con Mintz, pero se llevó una gran sorpresa cuando éste le anunció que no sólo iba a pagarle menos por cada cortometraje que produjera, sino que tenía a los principales animadores de Disney —incluyendo a Harman, Ising, Maxwell y Freleng (pero no a Iwerks)— bajo contrato, y que crearía su propio estudio si Disney no aceptaba trabajar por menos dinero. Los derechos de Oswald pertenecían a Universal y no a Disney, y podían hacer las películas sin él. Disney rechazó la imposición de Mintz y perdió a la mayor parte del personal de su estudio. Los que se fueron formaron el núcleo del Winkler Studio, dirigido por Mintz y su cuñado George Winkler. Sin embargo, Universal asignó poco más tarde la producción de las películas del conejo Oswald a una sección de su propia empresa que dirigía Walter Lantz, y Mintz tuvo que dedicar su estudio a la producción de los cortos de Krazy Kat. Harman, Ising, Maxwell y Freleng crearon un personaje muy parecido a Oswald, Bosko, para Leon Schlesinger y Warner Bros., y empezaron poco después a trabajar en las primeras entregas de la serie Looney Tunes La compañía de Disney sólo recuperó los derechos sobre Oswald 78 años después, en 2006. Mickey Mouse Tras perder los derechos sobre Oswald, Disney optó por crear un nuevo personaje. Se discute si la primera idea del ratón animado (que básicamente era igual que Oswald, pero con orejas redondas en lugar de alargadas) fue de Disney, a quien suele atribuírsele, o de Iwerks. En todo caso, ambos participaron en la creación del personaje. Sus primeras películas fueron animadas por Iwerks, cuyo nombre se destaca en los títulos de crédito. El ratón iba a llamarse en un principio "Mortimer", pero más tarde fue bautizado como "Mickey Mouse" por su mujer, Lillian Disney. La primera aparición cinematográfica de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta esa fecha. Tras no conseguir interesar a los distribuidores por Plane Crazy ni por su continuación, The Gallopin' Gaucho, Disney creó una película sonora, Steamboat Willie. El empresario Pat Powers proporcionó a Disney tanto la distribución de la película como el Cinephone, un sistema de sincronización de sonido. Steamboat Willie se convirtió en un gran éxito, y se añadió sonido a los cortos anteriores. Desde entonces, todas las películas de Disney serían sonoras. El propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947. Mickey Mouse conoció un extraordinario éxito, hasta el punto de que, en 1935, la Sociedad de Naciones premió a Disney con una medalla de oro, declarando a Mickey "símbolo internacional de buena voluntad". En enero de 1930 fue adaptado al cómic, en una tira de prensa con guión de Disney y dibujos de Iwerks. Durante la década de 1930, el mercado se inundó de productos relacionados con el personaje, desde juguetes infantiles y relojes de pulsera hasta un brazalete de diamantes diseñado por Cartier. Numerosas personalidades públicas declararon su admiración por Mickey Mouse, incluyendo a la actriz Mary Pickford, al presidente de Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt, a Benito Mussolini e incluso al rey de Inglaterra, Jorge V.


Silly Symphonies

Además de los cortometrajes de Mickey Mouse, en 1929 Disney inició una serie de películas musicales titulada "Silly Symphonies" ("Sinfonías tontas"). La primera se tituló The Skeleton Dance ("La danza de los esqueletos"), y fue enteramente dibujada y animada por Iwerks, que fue también el responsable de la mayor parte de las películas producidas por Disney en los años 1928 y 1929. Aunque ambas series tuvieron un gran éxito, el estudio Disney no estaba de acuerdo con compartir las ganancias con Pat Powers, y firmó un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures. Iwerks se estaba cansando de la posición subalterna que tenía en el estudio a pesar de realizar la mayor parte del trabajo, y se dejó convencer por Powers para abrir su propio estudio con un contrato exclusivo. Disney buscó desesperadamente a alguien que pudiera reemplazarlo, ya que él mismo no era capaz de dibujar tan bien, ni —sobre todo— tan rápido (se dice que Iwerks hacía más de 700 dibujos al día para los cortos de Mickey). Entretanto, Iwerks lanzaba su exitosa serie sobre el personaje de Flip the Frog con el primer cortometraje de animación sonoro en color, titulado Fiddlesticks. Creó también otras dos series: Willie Whopper y Comicolor. Su éxito amenazaba el predominio que Disney había alcanzado en la industria del cine de dibujos animados. Disney contrató a varias personas para hacer el trabajo que Iwerks era capaz de hacer en solitario. En 1932, Disney estrenó su primera película en color, Flowers and Trees, de la serie "Silly Symphonies", que consiguió el Oscar al mejor cortometraje de animación en 1932. Ese mismo año, Disney recibió también un Oscar honorífico por la creación de Mickey Mouse, cuyos cortometrajes pasaron a realizarse en color a partir de 1935. Pronto aparecieron series derivadas, protagonizadas por nuevos personajes, como el Pato Donald, Goofy y Pluto.


Vida privada

En 1925, Disney contrató a una joven llamada Lillian Bounds para entintar y colorear el celuloide. Tras un breve noviazgo, se casó con ella el 15 de julio de 1925. Después de intentarlo varias veces, Lillian dio a luz a una hija, Diane Marie Disney en 1933. Sin posibilidades de tener más hijos, los Disney adoptaron a una segunda hija, Sharon Mae Disney, en 1936. Lillian falleció el 16 de diciembre de 1997. Su hija adoptiva, Sharon, había muerto en 1993. Sharon dio a luz anteriormente a Catherine Spitcktip Disney en 1988.


La edad dorada de la animación
"La locura de Disney": Blancanieves y los siete enanitos

Aunque los ingresos del estudio eran muy considerables, no eran todavía suficientes para Disney, quien en 1934 empezó a planear la producción de un largometraje. Cuando en la industria de la animación se supo que Disney planeaba la producción de un largometraje animado sobre Blancanieves, se bautizó al proyecto como "la locura de Disney", y todo el mundo estuvo de acuerdo en que el proyecto terminaría arruinando al estudio. Tanto Lillian como Roy trataron de disuadir a Disney de sus planes. Éste contrató al profesor Don Graham, del Instituto de Arte Chouinard, para que formase a la plantilla del estudio, y utilizó los cortos de la serie "Silly Symphonies" como laboratorio para experimentar acerca de la animación realista de seres humanos, la creación de personajes animados con personalidad definida, efectos especiales, y el uso de procesos especializados y aparatos como la cámara multiplano. Imagen del tráiler de la película Blancanieves y los siete enanitos Todos estos esfuerzos iban dirigidos a elevar el nivel tecnológico del estudio para que fuese capaz de producir una película de la calidad requerida por Disney. El proceso de producción de Blancanieves y los siete enanitos ("Snow White and the Seven Dwarfs") se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937, cuando al estudio se le terminó el dinero. Para conseguir los fondos necesarios para completar Blancanieves, Disney tuvo que mostrar un montaje previo de la película a los directivos del Bank of America, quienes le prestaron el dinero para terminar el proyecto. El presupuesto inicial de la película era de 250.000 dólares, pero acabó costando 1.488.000. La película terminada se preestrenó en el Carthay Circle Theater el 21 de diciembre de 1937, y, a su término, recibió una sonora ovación. Blancanieves, el primer largometraje animado de lengua inglesa, y el primero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938, y obtuvo unos ingresos de 8 millones de dólares (equivalentes a unos 98 millones actuales) en su estreno. El éxito de Blancanieves permitió a Disney construir unos nuevos estudios en Burbank, que se inauguraron el 24 de diciembre de 1939. En 1940, los estudios produjeron otros dos largometrajes: Pinocho y Fantasía. La segunda, en concreto, constituía una apuesta bastante arriesgada: sin un argumento unitario, consistía en la puesta en imágenes animadas de ocho piezas de música clásica (entre otros, de Beethoven, Bach y Stravinski), al estilo de las "Silly Symphonies". Los resultados fueron bastante irregulares. Al mismo tiempo, seguían creándose nuevos cortos de las estrellas de la casa (Mickey, Donald, Goofy y Pluto), destacando cortometrajes como El sastrecillo valiente (1938) y The Pointer (1939), ambas protagonizadas por el ratón Mickey. La producción de cortos de la serie "Silly Symphonies" concluyó en 1939.


La huelga de 1941

Después de varias tentativas de organización sindical entre los trabajadores de la industria de la animación, en 1938 se había creado el Screen Cartoonists Guild (SCG), sindicato que pronto desarrolló una activa campaña para reclutar afiliados entre los trabajadores del medio. Aunque había sido reconocido por la mayor parte de los otros estudios, Disney se negaba a permitir la afiliación sindical de sus empleados. Por otro lado, desde 1937 existía un creciente descontento entre los trabajadores del estudio. Aunque los empleados de Disney eran los mejores pagados de la profesión, consideraban que se habían incumplido las promesas sobre bonificaciones por el trabajo extra que habían realizado en los largometrajes de la compañía. Películas como Blancanieves habían tenido un éxito sin precedentes en el cine de animación, y los empleados no habían participado de los beneficios (en realidad, Disney se había endeudado con la apertura de los nuevos estudios en Burbank y la producción de los largometrajes Pinocho y Fantasía, que no obtuvieron el éxito deseado). Además, el trabajo de numerosos empleados no era reconocido en los títulos de crédito de las películas. En 1941, Herbert Sorrell, el principal líder sindical entre los trabajadores de Disney, intentó negociar el reconocimiento del SCG, pero fue rechazado. Animadores que tenían una posición importante dentro de los estudios, como Art Babbitt y Will Tytla, abrazaron la causa de sus compañeros. Disney lo consideró una traición personal, y despidió a Babbitt y a otros 16 trabajadores. El 28 de mayo gran número de trabajadores fueron a la huelga. Esa mañana, cuando Disney llegó a los estudios, los encontró bloqueados por cientos de piquetes de huelga. A medida que continuaba la huelga, la tensión fue creciendo. El personal de los estudios quedó dividido casi al 50% y hubo varios conatos de enfrentamiento. El propio Disney, según algunos testimonios, estuvo a punto de llegar a las manos con Babbitt. Poco antes del final de la huelga, Disney, a sugerencia de Nelson Rockefeller, director de la agencia de relaciones con Latinoamérica en el Departamento de Estado, partió de gira a Latinoamérica como embajador de buena voluntad, lo que contribuyó a enfriar los ánimos entre las partes enfrentadas. Finalmente, Disney, influido por la opinión pública favorable a la huelga, y gracias la mediación del gobierno federal y de varios grupos de presión (entre ellos su principal acreedor, el Bank of America) aceptó reconocer al sindicato. La huelga terminó el 29 de julio, después de nueve semanas. Los trabajadores obtuvieron mejoras salariales y se acordó un sistema para reconocer su trabajo en los títulos de crédito. Sin embargo, el regreso a la normalidad no fue tal, ya que Disney no perdonó nunca a los huelguistas. Algunos fueron despedidos en cuanto la ley lo permitió, y otros optaron por irse ante la hostilidad que vivían en su entorno laboral. Entre los que, por una u otra razón, terminaron por abandonar la compañía estaban Vladimir William Tytla, John Hubley, Stephen Bosustow, Dave Hilberman y Walt Kelly. La huelga arruinó la imagen de Walt Disney Company como empresa paternalista y armónica que había predominado en los años treinta, pero no disminuyó en absoluto la aceptación de la marca por parte del gran público


Tiempos de guerra

A pesar de que Pinocho y Fantasía no consiguieron el éxito extraordinario de Blancanieves, la ternurista Dumbo, cuya producción no pudo ser detenida por la huelga, se estrenó finalmente en octubre de 1941, y fue un gran éxito, convirtiéndose en una importante fuente de ingresos para el estudio. Poco después, en diciembre, Estados Unidos entraba en la Segunda Guerra Mundial. Los estudios Disney colaboraron estrechamente con el gobierno, produciendo películas educativas y de formación militar, así como otras encaminadas a elevar la moral en retaguardia, tales como los cortometrajes Der Fuehrer's Face ("El rostro del Führer), Education for Death ("Educación para la muerte"), Reason and Emotion ("Razón y emoción"), y el largometraje Victory Through Air Power ("Victoria a través de la fuerza aérea", 1943), en el que se defendía la idea de que era necesario construir más bombarderos para ganar la guerra. Sin embargo, los estudios atravesaron una época de cierta estrechez económica. Los filmes propagandísticos no generaban beneficios, y Bambi, el siguiente largometraje de Disney, no produjo los resultados deseados cuando se estrenó en abril de 1942. Para recortar gastos, durante los años 1940 no se produjeron nuevos largometrajes, sino películas que recopilaban varios cortos. Las más destacadas fueron Saludos Amigos (1942), su secuela Los tres caballeros (1945), Canción del sur (1946), Fun and Fancy Free (1947), y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949). Esta última constaba sólo de dos secciones: la primera basada en La leyenda de Sleepy Hollow de Washington Irving y la segunda en El viento en los sauces, de Kenneth Grahame. Con el objeto de rentabilizar sus producciones, Disney tuvo otra gran idea comercial: en 1944 se reestrenó Blancanieves, estableciendo la tradición de reestrenar a los siete años los largometrajes de la compañía. Después de la guerra, a pesar de la prosperidad que entonces conoció Estados Unidos, los hábitos de consumo cinematográfico cambiaron. Los exhibidores dejaron de interesarse por los cortometrajes, que antes eran indispensables al inicio de toda sesión cinematográfica, y empezaron a demandar sólo largos. Ante esta nueva situación, Disney diversificó su oferta, orientándose hacia la producción de películas infantiles de imagen real (la serie True-Life Adventures, que se inició en 1948), documentales sobre la naturaleza y programas de televisión. A finales de la década de 1940, el estudio se había recobrado lo suficiente como para continuar con la producción de nuevas películas: La Cenicienta (que fue en vida la película favorita de Walt Disney, en especial, la escena de la transformación del traje de la magia del hada madrina) fue el primer auténtico largometraje producido por los estudios Disney desde Bambi, en 1942. Siguieron Alicia en el país de las maravillas (1951) y Peter Pan (1953). Ambos filmes fueron muy criticados por edulcorar las obras originales —de Lewis Carroll y James M. Barrie respectivamente—, descartando todos sus elementos perturbadores y convirtiéndolas en fábulas intrascendentes e inocuas.


Walt Disney y la caza de brujas

Tras la huelga de 1941, Disney sentía una profunda desconfianza por los sindicatos. En 1947, durante los primeros años de la Guerra Fría, testificó ante el Comité de Actividades Antiamericanas, y denunció a Herbert K. Sorrell, David Hilberman y William Pomerance, antiguos empleados y activistas sindicales, como agitadores comunistas. Disney explicó que la huelga de 1941 había formado parte de una estrategia del Partido Comunista de los Estados Unidos para ganar influencia en Hollywood. Existen documentos que demuestran que Disney actuó secretamente como agente del FBI desde los primeros años de la década de 1940 y que en 1954 fue ascendido al rango de "agente especial de contacto" (special agent contact) por orden directa de Hoover. Estos documentos demuestran también que los guiones de algunas películas fueron modificados a instancias del FBI. Una de las preocupaciones de la organización gubernamental era la imagen que de sus agentes se daba en los filmes Disney (por ejemplo, en la película de 1965 That Darn Cat!). Curiosamente, los mismos documentos revelan que el propio Disney fue investigado por la organización a la que él mismo pertenecía como sospechoso de subversión (es decir, de comunismo).


El Imperio Disney
Carolwood Pacific Railroad

En 1949, Disney y su familia adquirieron una mansión con una gran finca en el distrito de Holmby Hills de Los Ángeles. Disney aprovechó para hacer realidad su sueño de tener un ferrocarril privado. Con la ayuda de sus amigos Ward y Betty Kimball, Disney diseñó los planos y comenzó a construir un tren en miniatura. El tren fue bautizado como Carolwood Pacific Railroad, por el nombre de la antigua calle en que vivía Disney, Carolwood Drive. La locomotora de vapor diseñada por Roger E. Broggie, empleado de los estudios, recibió el nombre de Lilly Belle en honor a la esposa de Disney.


Disneylandia

Vista aérea del parque de Disneylandia en Anaheim, California Ya desde los años 40, Disney tenía la idea de construir un parque de atracciones para que sus empleados y sus familias se divirtiesen en su tiempo libre. Con el tiempo, este proyecto más bien modesto iría creciendo hasta convertirse en Disneylandia. Dos parques suelen mencionarse como fuente de inspiración de Disney para su proyecto: Children's Fairyland en Oakland, California, construido en 1950, y los Jardines de Tivoli, en la capital de Dinamarca, Copenhague. También se ha afirmado que Disney pudo haberse inspirado para la creación de Disneylandia en el parque República de los Niños, ubicado en Manuel B. Gonnet, Argentina, e inaugurado en 1951,[cita requerida] aunque algunos opinan que se trata de un mito. Mientras maduraba su idea de Disneylandia, visitó numerosos parques de atracciones, pero en general le parecieron sucios y mal gestionados. Su plan original era construir el parque en un terreno cercano a los estudios, pero la ciudad de Burbank le denegó el permiso para construir, y el terreno era además demasiado pequeño, por lo cual la compañía adquirió un terreno de 160 acres ( unos 730,000 m²), originalmente plantado de naranjos y nogales, en Anaheim, en el condado de Orange, vecino a Los Ángeles. En 1952, Disney creó una nueva filial de su empresa, WED Enterprises (nombrada a partir de las iniciales de su nombre: Walter Elias Disney), para ocuparse de planear y construir el parque. Algunos miembros del estudio participaron en el proyecto como ingenieros y diseñadores. La construcción de Disneylandia comenzó el 21 de julio de 1954. El parque abrió sus puertas al público el 18 de julio de 1955.


Expansión

Cuando Walt Disney Productions empezó a construir Disneylandia, también había empezado a interesarse por otras áreas de la industria del entretenimiento. La isla del tesoro (1950) fue la primera película de acción real de la compañía, y fue pronto seguida de otras: Veinte mil leguas de viaje submarino (en CinemaScope, 1954), The Shaggy Dog (1959) y The Parent Trap (1960). Los estudios Disney descubrieron muy pronto la importancia de la televisión. En 1950 produjeron su primer programa televisivo, One Hour in Wonderland. En la cadena ABC, Disney patrocinó un programa llamado Disneyland dedicado a promocionar su nuevo parque de atracciones, en el que se emitían también secuencias de las películas antiguas. El primer programa televisivo de emisión diaria realizado por el estudio fue el popular Mickey Mouse Club, que continuaría, con varios cambios de nombre, hasta entrados los 90. A medida que el estudio se expandía y diversificaba su campo de acción, Disney fue prestando menos atención al departamento de animación, delegando cada vez más tareas en sus animadores de confianza, a los que llamaba "los Nueve Viejos". En vida de Disney, el departamento de animación creó varios largometrajes de éxito: La dama y el vagabundo (en CinemaScope, 1955), 101 dálmatas (1961), La bella durmiente (en Super Technirama 70mm, 1959), y Merlín el encantador (1963). El castillo de la Cenicienta en Walt Disney World, Florida La producción de cortometrajes continuó hasta 1956, cuando Disney decidió cerrar el departamento de cortometrajes. Desde entonces, sólo de forma esporádica fueron realizados algunos cortos. En los primeros años sesenta, el imperio Disney era un gran éxito, y Walt Disney Productions se consolidó como la más importante empresa dedicada al entretenimiento familiar del mundo. Tras décadas de intentarlo, Disney consiguió finalmente los derechos de los libros de P.L. Travers sobre una institutriz con poderes mágicos, y en 1964 se estrenó la película Mary Poppins, que combinaba animación y acción real, y fue otro de los grandes éxitos de la factoría Disney (llegó incluso a estar nominada al Oscar a la mejor película, que perdió frente a My Fair Lady). Ese mismo año, Disney presentó varias novedades en la Feria Mundial de Nueva York, entre ellas figuras Audio-Animatronic, que después fueron utilizadas para las atracciones de Disneylandia y para el proyecto de un nuevo parque temático en la Costa Este, que Disney había estado planeando desde que se abrió Disneylandia. En 1965 se anunció la construcción del nuevo parque, Disneyworld, cerca de Orlando, en Florida, que comenzó poco después de la muerte de Disney. Poco antes de su muerte, Disney estaba interesado en abrir una estación de esquí (Disney's Mineral King Ski Resort). El proyecto fue finalmente cancelado debido a las protestas de las organizaciones ecologistas.


Muerte

Disney dejó de trabajar en el desarrollo de Disneyworld en los últimos meses de 1966, cuando se le diagnosticó un cáncer en su pulmón izquierdo, tras toda una vida de fumador empedernido. Pasó un examen médico en el hospital St. Joseph, junto al edificio del estudio Disney, y sufrió un paro cardiorrespiratorio. Falleció el 15 de diciembre de 1966. Diez días antes había cumplido 65 años. Su cuerpo fue incinerado el 17 de diciembre en el Forest Lawn Cemetery de Glendale, California. Su hermano Roy llevó adelante el proyecto del parque de atracciones de Florida, insistiendo en que se llamase Walt Disney World en honor a su hermano. Roy moriría tres meses después de que el parque abriese sus puertas en 1971. Durante años se gestó la leyenda urbana de que Disney, pocos minutos antes de morir, había sido criogenizado. Su cuerpo supuestamente fue introducido cuando aún estaba vivo en una cámara y fue congelado a bajas temperaturas para que cuando la ciencia avanzara pudiera ser resucitado y sanar su pulmón enfermo. Esta historia cobró una relevancia enorme en todo el mundo, tomándose a Disney como ejemplo de que las criogenizaciones sí tenían razón de ser. Sin embargo, esto es completamente falso y las cenizas reposan en California desde hace más de cuarenta años.


El legado de Disney
El Imperio Disney hoy

En la actualidad, el pequeño estudio de animación que en 1923 fundaron Walt y Roy Disney se ha convertido en una de las mayores empresas en el ámbito del entretenimiento, con unos ingresos anuales de 30.000 millones de dólares. The Walt Disney Company gestiona dieciocho parques de atracciones, treinta y nueve hoteles, ocho estudios cinematográficos, once canales de televisión por cable y uno terrestre (la cadena ABC). Walt Disney Pictures, el estudio cinematográfico más importante propiedad de la empresa, continúa produciendo largometrajes de animación, a un ritmo aproximado de uno por año. Además, en mayo de 2006 The Walt Disney Company adquirió los estudios de animación Pixar, cuyas películas, distribuidas por Disney, habían alcanzado en años anteriores un éxito mayor que las producidas por Walt Disney Pictures.


Disney en la historia de la animación

La importancia de Walt Disney en la historia del cine de animación difícilmente puede pasar desapercibida. Fue pionero en la utilización de numerosas innovaciones técnicas en el cine de animación, como el sonido, el color o la cámara multiplano, y en el plazo de unos doce años (entre 1928 y 1940), logró convertir los antes menospreciados dibujos animados en un sofisticado medio de expresión artística. Contó con un equipo de animadores ..... de primera fila cuyos méritos, sin embargo, quedaron siempre difuminados, pues de la publicidad de la compañía parecía deducirse que era el propio Disney el autor material de todas las películas. El caso de Iwerks es paradigmático: a pesar de su importancia en los primeros cortometrajes de la compañía, y en la creación de Mickey Mouse, apenas es conocido en la actualidad. Walt Disney convirtió los dibujos animados en un producto de consumo de masas. En varias ocasiones, aceptó con total franqueza que su objetivo era llegar al mayor número posible de espectadores, por encima de cualquier consideración de tipo artístico. Aunque muchas de sus películas son obras maestras del cine de dibujos animados, con el tiempo el interés por halagar los gustos del público acentuó una cierta tendencia al kitsch y al excesivo sentimentalismo. Tras su muerte, los dibujos animados de The Walt Disney Company continuaron en la misma línea. El éxito de las películas de Disney tuvo como consecuencia que su cine llegara a ser considerado por gran parte del público como la única forma posible de hacer cine de dibujos animados, lo cual dificultó en gran medida la aparición de propuestas alternativas dentro del cine de animación.


Ideología

La ideología de Walt Disney, tal como se hace patente en sus películas, se basa sobre todo en la defensa de los valores del "american way of life" ("Modo de vida americano"), en los que creía firmemente. La ideología neocolonialista subyacente en los filmes de Disney ha sido puesta de relieve, entre otros, por Ariel Dorfman y Armand Mattelart, en su conocido ensayo Para leer al pato Donald (1971). Una cuestión muy discutida es la de las posibles simpatías de Disney por los regímenes fascistas europeos en los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Según algunas referencias, fue recibido en Roma por Mussolini en una o dos ocasiones durante la década de 1930. También se ha argüido como prueba de su simpatía por el nazismo su asistencia, en compañía del abogado de la empresa, Gunther Lessing, a mitines del German American Bund, organización pro-nazi estadounidense. Sin embargo, el principal testigo que documenta la presencia de Disney en estos mitines no es en absoluto imparcial: se trata de Art Babbitt, despedido por Disney en 1941 poco antes de la famosa huelga de los trabajadores de los estudios. También se sabe que Disney fue uno de los pocos empresarios cinematográficos que recibieron abiertamente a la cineasta alemana Leni Riefenstahl, en su visita a Hollywood en 1938, cuando la mayor parte de la industria le cerró sus puertas. En cualquier caso, si Disney tuvo simpatías por los regímenes fascistas, las desechó en cuanto su país entró en guerra contra el Eje. Durante el conflicto bélico, colaboró con el gobierno realizando varios filmes de propaganda, entre los cuales destaca el cortometraje Der Fuehrer's Face, en el cual aparecen caricaturizados Hitler, Mussolini e Hirohito y que termina con una auténtica oda a las virtudes de la democracia. Disney ha sido tildado a veces de antisemita, argumentando que los judíos aparecen como personajes estereotipados y malévolos en algunos cortometrajes de la década de 1930 particularmente en Los tres cerditos (1933). No obstante, esta imagen del judío era relativamente común en la época, tanto en Europa como en Estados Unidos. Sí está fuera de toda duda que Disney fue un ferviente anticomunista, en gran medida a causa de la huelga de 1941, que él atribuyó a maniobras del Partido Comunista de los Estados Unidos para ganar poder en la industria del cine. Según su declaración ante el Comité de Actividades Antiamericanas, creía firmemente que el comunismo era una seria amenaza contra el modo de vida estadounidense. No se ha podido probar que militara en ningún partido político. Durante los años 50, Disney apoyó económicamente al Partido Republicano. En su juventud, Disney formó parte de una organización de tipo masónico, llamada Orden DeMolay. Según su propio testimonio, la pertenencia a esta organización tuvo un papel muy importante en su formación. Las convicciones religiosas de Disney son también poco conocidas. Fue bautizado como miembro de la iglesia congregacionalista (de hecho, se le puso el nombre de Walter en honor a un pastor de dicha iglesia, Walter Parr), pero no parece haber sido un hombre religioso, aunque sí respetaba profundamente la religión como garante de los valores establecidos. Para un libro sobre la oración de Roland Gammon editado en 1963, Faith is a Star, Disney escribió un texto acerca de la importancia de los valores religiosos en la sociedad y en su propia vida, que es uno de los pocos documentos conocidos acerca de sus ideas religiosas.


Los Oscar de Walt Disney

A lo largo de su carrera como productor cinematográfico, Walt Disney obtuvo un total de 26 premios Óscar, de los cuales 4 fueron honoríficos. 12 de esos premios fueron a cortometrajes de animación, categoría que las producciones Disney prácticamente coparon durante la década de 1930; menos conocido es el hecho de que Disney recibió también 10 estatuillas por la producción de películas de imagen real (entre ellas, dos largometrajes), en las categorías de mejor cortometraje de imagen real, mejor cortometraje documental y mejor largometraje documental. No recibió nunca el Oscar al mejor largometraje, aunque Mary Poppins fue una de las nominadas en 1965, poco antes de la muerte de Disney. No existía la categoría de mejor largometraje de animación, que no se creó hasta 2001, por lo cual ninguno de los largos clásicos de Disney obtuvo la estatuilla. Con dos excepciones: los Oscar honoríficos concedidos a Blancanieves, en 1939, y a Fantasía, en 1942.

Mickey Mouse, su historia ~


Mickey Mouse (también Ratón Mickey, Ratón Miguelito o Miqui Maus) es un personaje de dibujos animados y emblema de la compañía Disney. Creado en 1928, este antropomórfico ratón tiene un origen disputado. La leyenda oficial explica que fue creado por Walt Disney durante un viaje en tren, y que su nombre inicial fue Mortimer, pero que cambió a Mickey a petición de su esposa, Lillian. Según Bob Thomas, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse. La versión más verosímil es que el personaje fue creado por el dibujante Ub Iwerks, a petición de Disney, para compensar la pérdida de los derechos de Oswald, el conejo afortunado, a manos de la Universal. Lo cierto es que Mickey no es más que una variación del personaje de Oswald. A Walt Disney hay que atribuirle tanto la voz del personaje (lo dió voz durante 17 años) como la personalidad y el carácter del ratón: Su cabeza era un círculo con otro círculo a modo de hocico. Su cuerpo era como una pera y tenía una cola larga; sus patas eran tubos y se las metimos en zapatos grandes para darle el aspecto de un chiquillo con el calzado de su padre. The Walt Disney Company celebra el nacimiento de Mickey el 18 de noviembre de 1928, a raíz del estreno de Steamboat Willie, primer cortometraje sonoro de dibujos animados, y tercera aparición del ratón. Walt Disney prestó su voz al personaje desde 1929 hasta 1946, cuando fue sustituido por el técnico de sonido Jimmy MacDonald. Desde 1983 la voz es de Wayne Allwine. A lo largo de los años Mickey ha aparecido en dibujos animados, tiras cómicas, videojuegos, y se ha convertido en el icono de la compañía Walt Disney.


Primeros éxitos
Primer encuentro con Pete Pata Palo

Walt Disney en 1954. The Gallopin' Gaucho fue el segundo cortometraje protagonizado por Mickey que produjo Walt Disney. The Walt Disney Company no logró, sin embargo, encontrar un distribuidor para la película, que se estrenó después del éxito del tercer corto del personaje, Steamboat Willie, el 30 de diciembre de 1928. Por ese motivo, aunque fue el segundo cortometraje de Mickey Mouse en cuanto a su producción, fue el tercero en ser estrenado. Tanto Mickey como su novia, Minnie, habían aparecido ya en el primer corto de la serie, Plane Crazy, que se estrenó el 15 de mayo de 1928 y no obtuvo el éxito esperado. Disney e Iwerks volvieron a intentar captar el interés de la audiencia con una nueva película sobre los mismos personajes, The Gallopin' Gaucho. La animación del filme corrió exclusivamente a cargo de Iwerks. The Gallopin' Gaucho pretendía ser una parodia de una película de Douglas Fairbanks, titulada The Gaucho, estrenada poco antes, el 21 de noviembre de 1927. La acción se desarrolla en la Pampa argentina, y Mickey es el propio gaucho. El protagonista monta un ñandú en lugar de un caballo (aunque a veces se dice que es un avestruz). Llega al bar-restaurante Cantina Argentina, aparentemente para relajarse tomando una copa y fumando. En el restaurante se encuentra a la camarera y bailarina Minnie Mouse, y un parroquiano, que no es otro que Pete Pata Palo (en inglés Peg Leg Pete, más tarde Black Pete o simplemente Pete), presentado como un forajido. El papel de villano de Pete había quedado ya establecido en las series de las Comedias de Alicia y Oswald el conejo afortunado. Este corto, sin embargo, representa su primer encuentro con Mickey y Minnie. Los dos últimos parecen no conocerse, aunque ambos habían aparecido juntos ya en Plane Crazy. Minnie baila un tango y los dos personajes masculinos se pelean por ella. Pete intenta apresurar el final de la pelea raptando a Minnie y llevándosela en su caballo, pero Mickey le sigue a lomos de su ñandú y pronto se pone a su altura. Mickey y Pete entablan entonces un duelo a espada, de la que el primero sale victorioso, rescatando a la damisela en apuros. El corto termina con la imagen de Mickey y Minnie, a lomos del ñandú, perdiéndose en el horizonte. En entrevistas posteriores, Iwerks comentaría que en The Gallopin' Gaucho pretendía presentar a Mickey como un espadachín aventurero, semejante a los personajes que solía representar en el cine Douglas Fairbanks. Las personalidades, tanto de Mickey como de Minnie, son, sin embargo, muy diferentes de como llegarían a ser en años posteriores. Mickey es todavía un personaje muy parecido a Oswald, aunque Disney estaba trabajando ya en darle una personalidad propia. Como resultado de estos trabajos se creó el siguiente cortometraje de Mickey, el segundo en ser estrenado y el primero que realmente llamó la atención del público: Steamboat Willie.


La llegada del sonoro

Steamboat Willie fue estrenada por primera vez el 18 de noviembre de 1928, en el Colony Theather, y fue dirigida por Walt Disney y Ub Iwerks. Iwerks ejerció de nuevo como jefe de animación, asistido por Johnny Cannon, Les Clark, Wilfred Jackson y Dick Lundy. Este cortometraje era una parodia de Steamboat Bill Jr (El héroe del río), de Buster Keaton, estrenada el 12 de mayo del mismo año. A pesar de ser la tercera aparición de Mickey, este cortometraje está considerado como el verdadero debut del personaje. Este corto de animación no fue el primero que combinó sonido, música y diálogos sincronizados. Fleischer Studios había estrenado una serie de animaciones sonoras, usando el sistema De Forest, a mediados de los años 1920. A pesar de eso, la idea de hacer un corto sonoro le vino a Walt Disney tras ver un corto de las Aesop's Film Fables, titulado Dinner Time. Steamboat Willie fue, sin embargo, el primer corto sonoro que alcanzó una fama importante. A día de hoy aún se debate sobre quién fue el autor de la música original del corto. Ha sido atribuida a, entre otros, Wilfred Jackson, Carl Stalling o Bert Lewis, pero no hay ninguna conclusión definitiva. El propio Walt puso la voz, tanto de Mickey como de Minnie, aunque no había diálogos, solo ruidos tipo risas, lloros y gritos. La historia nos muestra a Mickey pilotando el Steamboat mientras silba una pegadiza melodía. Al momento aparece el capitán del barco, el Capitán Pete, y lo echa, para conducir él. Se detiene el barco para recoger la carga, y cuando están a punto de zarpar otra vez, aparece Minnie, que ha perdido el barco. Mickey la ayuda a subir con una grúa. Una vez en el barco, una cabra del cargamento de animales del barco se come la partitura de Minnie, que tenía escrita la famosa canción Turkey in the Straw. Entonces Mickey usará el rabo del animal como aguja en un fonógrafo y sonará la melodía. Acto seguido empezará a usar a diferentes animales como instrumentos musicales. El Capitán Pete, molesto por el ruido de la música, obliga a Mickey a trabajar. El corto finaliza con la imagen de Mickey pelando patatas. El público que acudió al estreno de este cortometraje se quedó muy impresionado por el uso de la música con fines cómicos. Las películas sonoras representaban todavía una gran innovación, ya que la primera película sonora de la historia, El cantante de jazz, con Al Jolson, se había estrenado el 6 de octubre de 1927, y, en menos de un año, muchas salas de Estados Unidos ya habían instalado equipos de sonido para este tipo de películas. Walt Disney estaba dispuesto a aprovechar las ventajas que este nuevo sistema ofrecía, ya que muchos otros estudios aún seguían produciendo cortos de animación mudos, que difícilmente podían competir con Disney. Mickey Mouse pasó a ser rápidamente uno de los personajes de animación más populares de su época, cosa que permitió a Walt estrenar de nuevo los dos primeros cortos de su ratón: Plane Crazy y The Gallopin' Gaucho (no había sido estrenado). Originalmente mudos, se les incorporó sonido y aumentaron la popularidad del dibujo. The Barn Dance (14 de marzo de 1929) sería su cuarta aparición como personaje, ya muy famoso. Pero Mickey no hablaría hasta The Karnival Kid (23 de mayo de 1929), cuando pronunciaría sus primeras palabras: Hot dogs, Hot dogs!


Roles
Mickey pretendiente

The Barn Dance (El baile del granero), estrenado el 14 de marzo de 1929, sería el primero de los doce cortos estrenados ese año. Dirigido por Walt Disney, con Ub Iwerks como jefe de animación, la novedad de esta producción es ver a Mickey rechazado por Minnie en favor de Pete. Pete, anteriormente presentado como un bandido, se comporta aquí como un educado caballero, mientras Mickey no hace el papel del héroe sino de un joven y bastante ineficaz pretendiente. Sus lamentaciones y tristeza por su fracaso muestran a un Mickey excepcionalmente sensible y vulnerable. Se comentó, sin embargo, que Disney solo buscaba la empatía del público hacia el personaje.


Aparición de los guantes

"¿Te has preguntado alguna vez por qué llevamos estos guantes blancos?"- Varios personajes. The Opry House, estrenado el 28 de marzo de 1929, fue el segundo cortometraje de aquel año, y el primero que introdujo los guantes blancos en los personajes. Mickey llevaría estos guantes en la mayoría de sus siguientes apariciones. Una de las razones más verosímiles del añadido de los guantes sería poder distinguir a los personajes cuando sus cuerpos estaban pegados, ya que todos ellos eran de color negro (Mickey no apareció en color hasta The Band Concert, El concierto de la banda, en 1935).


Mickey como animal

When the Cat's Away, estrenado el 18 de abril de 1929, era, en esencia, una versión de Alice Rattled by Rats (15 de enero de 1926), una de las Comedias de Alicia. Significó la segunda aparición del villano Kat Nipp (tras The Opry House). Kat Nipp es un gato antropomorfo que siempre está borracho. Un día sale de casa para ir a cazar. En ese momento una banda de ratones invaden la casa en busca de comida. Entre ellos están Mickey y Minnie. Lo inusual de este corto es ver a los dos ratones con el tamaño y el comportamiento de dos ratones reales, mientras que las producciones anteriores y posteriores a este corto presentaban a Mickey y Minnie como dos ratones antropomorfos del tamaño de pequeños seres humanos.


Los años de la Gran Depresión

El duodécimo y último corto de Mickey de 1929 fue Jungle Rhythm. Estrenado el 15 de noviembre, cuenta la historia de Mickey en pleno safari en algún lugar de África. Montado en elefante y armado con una escopeta, sus problemas empiezan cuando se cruzan en su camino un león y un oso. Mickey tiene la idea de empezar a tocar música para calmarlos, y el resto del corto consiste en varios animales de la selva bailando la música de Mickey. Las melodías van desde Yankee Doodle y Turkey in the Straw hasta Auld Lang Syne, The Blue Danube y Aloha `Oe.


Primeras tiras cómicas

Hasta el momento, Mickey había aparecido en quince exitosos cortometrajes y había pasado a ser uno de los personajes animados más conocidos por el público. La King Features Syndicate pidió a Disney una licencia para usar a Mickey y sus compañeros de reparto en una serie de tiras cómicas. Walt aceptó y la primera tira saldría a la luz el 13 de enero de 1930, con guión del propio Walt Disney, dibujos de Ub Iwerks y entintado de Win Smith. La primera semana las tiras fueron una adaptación parcial de Plane Crazy, y Minnie fue el primer personaje en incorporarse al reparto junto a Mickey. Las tiras publicadas entre el 13 de enero y el 31 de mayo de 1930 han sido regularmente recopiladas en un álbum completo bajo el título genérico de Lost on a Desert Island (Perdidos en una isla desierta).


De música clásica

Al mismo tiempo que se publicaban las tiras, Disney produjo dos nuevos cortometrajes de Mickey. El primero de ellos fue The Barnyard Concert (El concierto del corral), estrenado el 3 de marzo de 1930. Vemos a Mickey como director de orquesta. Los únicos personajes reconocibles de cortos anteriores son Clarabella tocando la flauta, y Horacio con el tambor. Ambos interpretan una cómica adaptación de Poet and Peasant, de Franz von Suppé, aunque muchos de los gags usados en este corto ya se habían visto en producciones anteriores. El segundo fue estrenado el 14 de marzo de 1930, bajo el título de Fiddlin' Around, aunque es más conocido como Just Mickey. Ambos títulos describen con precisión el desarrollo del corto, que no es más que Mickey haciendo un solo de violín. Es notable por la emotiva interpretación que hace el ratón del final de la ópera Guillermo Tell, el Träumerei (Reverie), de Robert Schumann, y la Rapsodia Húngara Nº2, de Franz Liszt.


El adiós de Iwerks

El siguiente cortometraje de Mickey fue Cactus Kid, estrenado el 11 de abril de 1930. A pesar de que el título lleve a pensar que es una parodia de las películas del Oeste, en realidad se trataba de una nueva versión de The Gallopin' Gaucho, aunque esta vez la acción se trasladaba desde Argentina a México. Mickey es, de nuevo, un viajero solitario que entra en una taberna y flirtea con una bailarina, de nuevo Minnie. El rival vuelve a ser Pete, llamado aquí Peg-Leg Pedro, en la que es su primera aparición con una pata de palo, algo que sería habitual en años posteriores. El ñandú original es aquí sustituido por Horacio, en su última aparición como animal no antropomórfico. La relevancia de este cortometraje viene dada porque sería el último que animaría Ub Iwerks. Poco antes del estreno de Cactus Kid, Ub Iwerks había abandonado a Disney para abrir su propio estudio. El resultado fue la serie conocida como Flip the Frog (la rana Flip), con el primer cortometraje de animación sonoro en color, titulado Fiddlesticks. Creó también otras dos series: Willie Whopper y Comicolor. Su éxito amenazaba el predominio que Disney había alcanzado en la industria del cine de dibujos animados. Esta separación se considera un punto de inflexión, tanto en las carreras de Walt Disney como de Mickey Mouse. El primero perdió al que había sido su amigo y confidente desde 1919. El segundo perdió al responsable de su diseño original y el director y/o animador de la mayoría de los cortos estrenados hasta aquel momento. Y, para muchos, se fue el auténtico creador de Mickey Mouse. Se considera a Walt como la inspiración para el personaje, pero Iwerks creó el diseño original y los primeros dibujos de Mickey fueron obra, parcial o totalmente, de Iwerks. Es por ello que algunos historiadores consideran que Iwerks debería ser reconocido actualmente como el creador de Mickey. Resaltan que los primeros dibujos de Mickey estaban acreditados como "A Walt Disney Comic, drawn by Ub Iwerks" (dibujados por Ub Iwerks). Pero las últimas reediciones de esos primeros dibujos tienden a acreditar a Walt Disney únicamente. En cualquier caso, Disney y su equipo continuaron con la producción de las series de Mickey. El ratón siguió apareciendo regularmente en cortos animados hasta 1942, y otra vez de 1946 a 1952. Pero, volviendo a 1930, a Walt se le presentaba otro problema: la continuación de las tiras cómicas tras la marcha de Iwerks. Al principio, Walt continuó escribiendo los guiones y Win Smith los dibujaba. Sin embargo, los intereses de Walt se fueron decantando cada vez más hacia la animación, y Smith tuvo que encargarse también de guionizar las tiras. A Smith, aparentemente, no le apetecía encargarse de todo el trabajo; guión, dibujo y entintado. Esto es evidente tras su repentina dimisión. Otra razón podría ser que Walt Disney era un hombre de muy difícil carácter, y Smith no soportaba la total falta de libertad creativa que Walt le imponía. Walt Disney tuvo que buscar un sustituto para Smith entre el resto de su equipo, y, por motivos que se desconocen, escogió a Floyd Gottfredson, un recién llegado al estudio. Gottfredson era un joven que estaba impaciente por entrar en el mundo de la animación, y no le hizo mucha gracia su nuevo trabajo como creador de las tiras cómicas. Walt le prometió que solo sería temporal y que pronto volvería a la división de animación. Gottfredson aceptó, y su trabajo "temporal" duró desde el 5 de mayo de 1930 hasta el 15 de noviembre de 1975.


Los cómics

Floyd Gottfredson inició su trabajo en las tiras cómicas continuando la historia que sus predecesores habían desarrollado desde el 1 de abril de 1930. Esta historia se completó el 20 de setiembre de 1930 y se recopiló más tarde en forma de álbum, con el título de Mickey Mouse in Death Valley (Mickey Mouse en el Valle de la Muerte). Esta primera aventura amplió el reparto de personajes que hasta entonces solo incluía a Mickey y Minnie. Fueron las primeras apariciones en cómic de Clarabella, Horacio y Pete Patapalo. También fue la presentación del abogado corrupto, Sylvester Shyster, y del tío de Minnie, Mortimer Mouse. La siguiente historia fue Mr. Slicker and the Egg Robbers, publicada entre el 22 de setiembre y el 26 de diciembre de 1930, donde se presentaron los padres de Minnie: Marcus Mouse y su esposa. Estas dos historias iniciaron lo que pasaría a ser una división entre el cómic y la animación. Mientras los cortos animados continuaron en su línea tradicional de comedia, las tiras cómicas combinaban comedia y aventuras. Las aventuras de Mickey continuaron apareciendo en tiras cómicas, y después en álbumes, durante todo el siglo XX y en el XXI. Mickey fue el protagonista de la serie MM Mickey Mouse Mystery Magazine, publicada en Italia entre 1999 y 2001.


Mickey en color

En 1935 Walt Disney estrenó el cortometraje The Band Concert (El concierto de la banda), que fue el primer corto de Mickey Mouse en Technicolor. La historia nos presenta a Mickey como director de una orquesta al aire libre, tocando la obertura de Guillermo Tell y después La tormenta. La orquesta está formada por el Pato Donald (en su tercera aparición en un corto de Mickey), que interrumpe el concierto tocando Turkey in the Straw con su flauta, Goofy (clarinete) y un personaje similar (¿Gideon Goat?) (trombón), Clarabella (flauta), Horacio (percusión), Peter Pig (trompeta) y Paddy Pig (tuba). En 1994 obtuvo el tercer puesto en la lista 50 Greatest Cartoons (los 50 mejores dibujos animados de la historia). El éxito de Mickey Mouse era tan grande que, ese mismo año, la Sociedad de Naciones premió a Disney con una medalla de oro, declarando a Mickey "símbolo internacional de buena voluntad". Numerosas personalidades públicas declararon su admiración por Mickey Mouse, incluyendo a la actriz Mary Pickford, al presidente de Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt, a Benito Mussolinie incluso al rey de Inglaterra, Jorge V.


El aprendiz de brujo: Fantasía

Maqueta gigante del sombrero de El aprendiz de brujo, en Disney World. A finales de los años 1930 Mickey Mouse había perdido popularidad, ya que los gustos del público se iban decantando cada vez más hacia los largometrajes, hecho que inquietó a Walt Disney. Uno de los personajes creados para uno de los cortos de Mickey, el Pato Donald (Donald Duck), había adquirido serie propia, y demostró ser más popular que su compañero el ratón, y, sobre todo, más rentable. Walt, sin embargo, no estaba dispuesto a deshacerse todavía de su personaje clave, con lo que ideó un cortometraje especial que se concebiría como la reaparición de Mickey Mouse: El aprendiz de brujo,que sería totalmente mudo excepto por la música de Paul Dukas, en quien estaba basado el cortometraje. Los guionistas sugirieron que el protagonista del corto podría ser Mudito (o Tontín), el enano mudo de la película de Walt Disney Blancanieves y los siete enanitos (1938), pero Walt insistió en usar a Mickey. La producción del cortometraje empezó en 1938, cuando Walt coincidió en un restaurante de Hollywood con el famoso director de orquesta Leopold Stokowski, que se ofreció a grabar la música gratis, con lo que reunió un equipo de unos cien músicos de Los Ángeles para tocar y grabar la banda sonora de los nueve minutos de duración del cortometraje. El departamento de animación del estudio trabajó en el que era el proyecto más ambicioso del estudio. El animador Fred Moore rediseñó a Mickey Mouse, otorgándole más peso y volumen, de acuerdo con la tecnología de la época. También se le añadieron pupilas para dotar a su cara de mayor expresividad. Todo en la película se hizo prestando especial atención a los detalles y a la creatividad: los colores, el ritmo, la animación del personaje y de los efectos. El brujo sin nombre de El aprendiz de brujo fue llamado Yensid: Disney deletreado a la inversa. Todos estos esfuerzos iban a salir muy caros, unos 125.000 dólares, un precio que Walt y, sobre todo, su hermano y socio, Roy, sabían que no iba compensarse en taquilla. La mayoría de los cortometrajes de Disney habían costado unos 40.000 dólares, que eran unos 10.000 dólares más que el presupuesto medio de cualquier corto hecho fuera de los estudios Disney. El cortometraje más rentable del estudio, Los tres cerditos, había recaudado 60.000 dólares en taqulla. Siguiendo el consejo de Stokowski, Walt decidió ampliar el cortometraje al estilo de su serie de cortos Silly Symphonies, pero concebido como un largometraje, formado por varias escenas donde la animación se combinaba con la música clásica, y donde El aprendiz de brujo sería una de ellas. Para proveer a la película de una continuidad, Walt reclutó al compositor y crítico musical Deems Taylor como maestro de ceremonias que introducía y explicaba cada uno de los segmentos. Stokowski sugirió el título de Fantasía (que literalmente significaba "Una mezcla de temas familiares con variaciones e interludios" ), que pasó a ser finalmente el título definitivo (el título inicial era The Concert Feature). Con El aprendiz de brujo casi completo, el resto de la producción de Fantasía se inició a principios de 1939, prestando la misma atención por el detalle y la cuidada animación en todos los demás segmentos de la película. A pesar de que la película se puede considerar un fracaso de Walt Disney, consagró a Mickey Mouse como uno de los iconos definitivos del estudio, y la imagen de Mickey con el traje de brujo ha sido durante décadas el emblema de Walt Disney.


Últimos años
Historia reciente Mickey en Eurodisney

-El 18 de noviembre de 1978, a raíz del 50 aniversario, Mickey Mouse se convirtió en el primer personaje de dibujos animados en obtener una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. La estrella se encuentra en el 6925 de Hollywood Boulevard.

-Durante décadas, Mickey ha competido con la estrella de la Warner Bros, Bugs Bunny, por ser el dibujo animado más popular. Pero en 1988, en uno de los momentos históricos de la animación, ambos compartieron una escena en la película de Robert Zemeckis ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Warner y Disney firmaron un acuerdo en el que se especificaba que cada personaje saldría exactamente el mismo tiempo en pantalla, hasta el último microsegundo.

-Su último cortometraje hasta la fecha ha sido Runaway Brain, estrenado en 1995. En 2004 apareció en un largometraje estrenado directamente en vídeo, llamado Mickey, Donald, Goofy: The Three Musketeers (Los tres mosqueteros), y en el largo de animación digital, Mickey's Twice Upon a Christmas. Mickey nunca ha aparecido en un largometraje que no esté basado en una obra clásica de la literatura universal.

-Muchos programas de televisión se centran en la figura de Mickey, como los recientes Mickey Mouse Works (1999—2000), Disney's House of Mouse (2001—2003) y Mickey Mouse Clubhouse (2006). -Mickey fue nombrado el Grand Marshal of the Tournament of Roses Parade, el día de Año Nuevo de 2005.


Video juegos

Como otros famosos personajes, Mickey ha protagonizado numerosos videojuegos, como Mickey Mousecapade, en Nintendo Entertainment System; Mickey Mania, Mickey's Ultimate Challenge y Disney's Magical Quest en Super Nintendo Entertainment System; Castle of Illusion Starring Mickey Mouse, en Sega Genesis y Sony PlayStation; Mickey Mouse: Magic Wands, en Game Boy, entre otros. A partir del 2000, la serie Disney's Magical Quest fue trasladada a Game Boy Advance, mientras Mickey hacía su entrada en la era de los 128 bits, con Disney's Magical Mirror, un título infantil de Nintendo GameCube. Mickey es uno de los personajes del videojuego Kingdom Hearts; es el rey del castillo Disney, y presta su ayuda a Sora.


La voz de Mickey

Gran parte de la personalidad de Mickey se debe a su tímida voz en tono falsete. Desde sus primeras palabras en The Karnival Kid, el propio Walt Disney prestó su voz a Mickey, tarea de la que estaba muy orgulloso (se dice que Carl Stalling y Clarence Nash actuaron como dobladores sin acreditar en algunos de los cortos). Sin embargo, hacia 1946, Walt Disney estaba demasiado ocupado para encargarse personalmente de prestar su voz a Mickey (se especuló que su adicción al tabaco había perjudicado su voz durante años), y durante la grabación de Mickey and the Beanstalk (un fragmento de Fun and Fancy Free), la voz de Mickey fue transferida al músico de Disney y actor Jim MacDonald (en la música original final se pueden oír las dos voces). MacDonald puso la voz de Mickey durante los siguientes cortometrajes, y para proyectos publicitarios y televisivos, hasta su retirada a mediados de los años 1970. Mientras tanto, Walt volvió a usar su voz con Mickey para las introducciones del Mickey Mouse Club original, entre 1954 y 1959, y para el episodio Fourth Anniversary Show de la serie para televisión Disneyland, emitido el 11 de setiembre de 1958. En 1983, con Mickey's Christmas Carol, se produjo el estreno de Wayne Allwine como voz de Mickey, hasta su fallecimiento el 20 de mayo de 2009. Curiosamente, la esposa de Allwine es Russi Taylor, voz habitual de Minnie Mouse. Les Perkins puso la voz de Mickey en el especial Down and Out with Donald Duck, de 1987.


Derechos de autor

Mucha gente cree erróneamente que el personaje de Mickey Mouse está protegido solo por derechos de autor, pero en realidad Mickey, como la mayoría de los personajes de Disney, está protegido como marca registrada (™ o ®), y, como todas las marcas registradas, sus derechos son perpetuos siempre que el dueño las use comercialmente. En el caso de que un dibujo de Disney estuviera en el dominio público, los propios personajes seguirían como marca registrada y su uso se consideraría "no autorizado". Sin embargo, dentro de Estados Unidos, la Copyright Term Extension Act (también llamada Mickey Mouse Protection Act, a raíz de la persistente presión de The Walt Disney Company) asegura que trabajos como los primeros dibujos de Mickey Mouse dejarán de estar protegidos por derechos de autor en algún momento. The Walt Disney Company ha puesto especial empeño en proteger a Mickey Mouse como marca registrada, al estar tan asociada la imagen del ratón con la propia empresa. En 1989, Disney demandó a tres guarderías de Hallandale, Florida, por tener en sus paredes dibujos de Mickey y de otros personajes de Disney. Los dibujos tuvieron que ser borrados, y una compañía rival, Universal Studios, permitió que se pintaran algunos de sus propios personajes.


Farfur

En 2007, un clon de Mickey Mouse llamado Farfur fue usado en el programa de televisión Los Pioneros del Mañana, que se emite en el canal oficial del grupo Hamás, partido gobernante de Palestina, Al-Aqsa TV. En el programa se adoctrina a los niños con frases como: Estamos poniendo contigo la primera piedra para el dominio del mundo bajo el poder islámico. [...] Debes ser cuidadoso con tus oraciones e ir a la mezquita para tus cinco rezos diarios [...] hasta que dominemos el mundo. El ministro de Información de palestina retiró el programa para revisar su contenido el 11 de mayo , pero continuó emitiendose. Finalmente, el 29 de junio, el personaje de Farfur fue "asesinado" por un actor disfrazado de soldado israelí, al que Farfur llama "terrorista", mientras Sara, la niña que presenta el programa, declama: Farfur ha sido martirizado mientras defendía su tierra [...] ha sido asesinado por los asesinos de niños. La hija de Walt Disney, Diane Disney Miller, dijo que Hamás era el "mal en estado puro" por usar a Mickey Mouse para adoctrinar en el radicalismo islámico a los niños

Cenicienta ~


La Cenicienta es un personaje de un cuento de hadas del cual existen varias versiones, tanto orales como escritas, en Europa. Es así que en Alemania se la llama Aschenputtel, Cendrillon es el nombre en francés, Cinderella en inglés y Cenerentola en italiano. En Grecia se la conoce como η σταχτοπούτα (i stachtopouta), en Hungría como Hamupipőke, en Suecia como Askungen, en Rusia se la llama Soluschka, en Polonia Kopciuszek y en República Checa Popelka.
Las versiones más conocidas son las del francés Charles Perrault (Cendrillon ou La petite pantoufle de verre), el cual escribió una versión de la historia oral en 1697. En Alemania, en cambio, la colección de cuentos de hadas de los Hermanos Grimm es hasta ahora la más popular. La versión del año 1812 de los Hermanos Grimm varía sin embargo en muchos detalles de la francesa, lo cual no es extraño si se toma en cuenta que cada país europeo tiene su propia tradición oral del personaje. Disney realizó una versión en 1950 de la Cenicienta, la cual se asemeja más a la de Perrault que a la de los Hermanos Grimm, razón por la cual en América es esta la más conocida.

Argumento según los Hermanos Grimm

Escultura de la Cenicienta en la Fuente de los Cuentos de Hadas en el barrio berlinés Neukölln de la artista Katharina Szelinski-Singer (1970)
La pequeña hija de un rico comerciante disfrutaba de una niñez acomodada hasta que su padre se casó con una viuda seis meses después de morir su madre. La viuda, ahora madrastra de la niña trajo a sus dos hijas a vivir en su nuevo hogar. Tanto la madrastra como las dos hermanastras le hacen la vida a la pequeña muy complicada y esta sufre inmensamente. Ella no sólo tenía que hacer trabajos sucios, sino también tenía que dormir sobre las cenizas a lado del fogón. Por esto llaman a la joven Cenicienta.
Un día el padre viaja a una feria y le pregunta a las tres jóvenes que desean de regalo. Las dos hermanastras le piden hermosos vestidos, perlas y piedras preciosas mientras Cenicienta tan sólo desea una ramita que el padre se la trae en el sombrero a su regreso. Cenicienta siembra la ramita en la tumba de su madre y esta crece hasta convertirse en un hermoso árbol, al cual la niña le cuenta todas sus penas. Cuando ella le llora y reza al árbol, aparece sobre este un pájaro blanco que le cumple algunos deseos.
Dibujo de Ludwig Richter (1803-1884) de la Cenicienta
El rey invita a todas las jóvenes solteras de su reino a una fiesta de tres días para que su hijo pueda elegir una esposa. La madrastra y las hermanastras de Cenicienta no quieren que ella asista a las fiestas, por lo cual le ordena que seleccione lentejas de las cenizas. Cenicienta lo logra con la ayuda de unas palomas llamadas por el pájaro blanco. („… die guten ins Töpfchen, die schlechten ins Kröpfchen!“)
A pesar de que Cenicienta logra seleccionar todas las lentejas, la madrastra no le permite ir a las festividades con la excusa de que no tiene un vestido adecuado. Cenicienta va a llorar a la tumba de su madre y el pájaro blanco le da zapatos y un vestido suntuoso de seda y plata. Cenicienta se pone el regalo y se va a la fiesta sin ser reconocida entre los invitados. El príncipe se enamora de ella y pregunta su nombre, pero Cenicienta logra esconderse de él. El tercer día pierde uno de sus hermosos zapatos y el príncipe manda a buscar a la dueña para poder hacerla su esposa. Aunque le pregunta al padre de Cenicienta, este no la reconoce y duda si se trataba de su hija o no.
El príncipe manda a buscar en la casa de Cenicienta y las dos hermanastras intentan sin éxito calzarse el zapato. La madrastra le aconseja a la mayor cortarse el dedo gordo y a la menor el talón, pero al pasear por la tumba de la madre de Cenicienta dos palomas las descubren. ("Rucke di guck, rucke di guck, Blut ist im Schuck (Schuh)! Der Schuck ist zu klein, die rechte Braut sitzt noch daheim.“)
Cenicienta, única persona a la que le calza el zapato, se casa con el príncipe y las dos hermanastras obtienen una sanción justa. Los Hermanos Grimm no escriben sobre el destino de la Madrastra malvada, ni tampoco Ludwig Bechstein, otro autor alemán cuya versión es también muy conocida.


Argumento según Perrault

La cenicienta de Perrault es también la hija del primer matrimonio de un noble rico, sin embargo esta versión no cuenta con el motivo de la tumba de la madre y la ramita que se convierte en árbol. En esta versión es un hada, una tía de Cenicienta, quién ayuda a la hermosa joven. Cuando las hermanastras acuden al baile, Cenicienta es obligada a quedarse en la casa. En su desesperación, acude a su tía quién convierte con su varita mágica una calabaza en un carruaje. Lo mismo sucede con unos ratones, ratas y lagartijas de una trampa, a los cuales convierte en lacayos, cocheros y caballos tordos. Cuando el hada roza a Cenicienta con su varita mágica, sus vestidos se vuelven de una elegancia inimaginable. Además, el hada le regala unos zapatos de vidrio, con los cuales ella acude al baile. Perrault utiliza el motivo de los zapatos de vidrio, porque en su época el vidrio era más difícil de formar que el oro, lo cual imposibilitaba un engaño. Muy importante en la historia es también que el hada le advierte a Cenicienta que tiene que volver antes de la media noche porque sino se deshace el hechizo.
Cenicienta es la más hermosa en el baile y ni siquiera las hermanastras la reconocen. En la segunda noche del baile, durante la cual Cenicienta está aún más hermosa que el día anterior, la joven casi se pasa de la media noche y al escuchar las campanadas sale corriendo y pierde uno de sus zapatos de vidrio. El príncipe ordena a un lacayo con la búsqueda de la muchacha, de quién se había enamorado. Las dos hermanastras no logran calzarse el zapato, mientras que este le calza a Cenicienta con facilidad. En aquel momento aparece el hada y convierte el delantal de Cenicienta en un vestido maravilloso. Las hermanastras no son castigadas, ya que Cenicienta las perdona. Las dos hermanas acuden a la boda de Cenicienta y se casan el mismo día con dos nobles de la corte.


Origen y desarrollo del argumento

El arquetipo Cenicienta, al igual que muchos otros cuentos de hadas, tiene una gran historia. Es así que se encuentran los primeros rastros en los antiguos egipcios (Rhodopis), luego entre los romanos, en el Imperio Chino del siglo 9 (del que queda como legado aún hoy en día el pequeño pie de Cenicienta) y en Persia a fines del siglo 12, en especial en las Siete Bellezas de Nezāmī. Es asombroso que inclusive entre los indígenas de Norteamérica se encuentra el motivo de Cenicienta.
El efecto y el relato de la Cenicienta es bastante complejo en la literatura, especialmente en el romanticismo alemán, inglés, ruso y francés. En el simbolismo de la literatura internacional también se encuentran varios motivos con interesantes combinaciones similares a la Cenicienta europea, sobre todo Puschkin, Novalis, Tieck, Brentano, Eichendorff, E.T.A. Hoffmann, Hans Christian Andersen, Tennyson, Wilde, Mallarmé, Maeterlinck y Hofmannsthal. El tema de la Cenicienta lo tratan explícitamente además Dietrich Grabbe en su Aschenbrödel de 1835 y Robert Walser en Die Insel de 1901. El poeta ruso Yevgeni Shvarts escribió en los años 20 del siglo 19 un cuento de hadas con el título Aschenbrödel. Los motivos principales de la historia son las palomas, los zapatos y las diferentes variantes del árbol. Las palomas son desde la Antigua Grecia las acompañantes tradicionales de Afrodita.
Si se reduce y banaliza el motivo principal del cuento de hadas en la vida trágica de la heroína que espera el amor de un príncipe y se lo combina con la moral de que lo bueno siempre triunfa, se encontrarán varias "versiones" desarrolladas de la Cenicienta en la literatura trivial, especialmente en E. Marlitt y Hedwig Courths-Mahler.

Alicia en el país de las Maravillas

Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas (Alice's adventures in wonderland), a menudo abreviado como Alicia en el país de las maravillas, es una obra de literatura creada por el matemático, sacerdote anglicano y escritor británico Charles Lutwidge Dodgson, bajo el más conocido seudónimo de Lewis Carroll. El cuento está lleno de alusiones satíricas a los amigos de Dodgson, la educación inglesa y temas políticos de la época. El país de las maravillas que se describe en la historia es fundamentalmente creado a través de juegos con la lógica, de una forma tan especial, que la obra ha llegado a tener popularidad en los más variados ambientes, desde niños o matemáticos hasta psiconautas. En esta obra aparecen algunos de los personajes más famosos de Carroll, como el Conejo Blanco, el Sombrerero, el Gato de Cheshire o la Reina de Corazones; quienes han cobrado importancia suficiente para ser reconocidos fuera del mundo de Alicia. Sólo se conservan 23 copias de la primera edición de 1865, de las cuales 17 pertenecen a distintas bibliotecas, estando las restantes en manos privadas. El libro tiene una segunda parte, menos conocida, llamada A través del espejo y lo que Alicia encontró allí (Through the looking-glass, and what Alice found there, de 1871). Varias adaptaciones cinematográficas combinan elementos de ambos libros. La obra ha sido traducida a numerosos idiomas, incluido el esperanto. En 1998, un ejemplar de la primera edición del libro fue vendido en subasta por la suma de 1,5 millones de dólares, convirtiéndose así en el libro para niños más caro hasta ese momento. La historia relatada en el libro tuvo tres fases. La primera y más importante comenzó de manera casual, durante un paseo en barco por el río Támesis el 4 de julio de 1862. En el paseo, Lewis Carroll estaba acompañado por el reverendo Robinson Duckworth, y por las tres hermanas Liddell: Lorina Charlotte, Alice y Edith, de trece, diez y ocho años respectivamente. El viaje por el río había comenzado en el Puente Folly, cerca de Oxford, Inglaterra, y recorrería ocho kilómetros, hasta Godstow, antes de volver a Christ Church, en Oxford. Según el diario de Dodgson y los testimonios que Alice Liddell dio años después; el calor estival era tan intenso, que obligó al grupo a refugiarse en la orilla del río, a la sombra de unos almiares. Para pasar el tiempo, Dodgson contó a las niñas una serie de historias disparatadas, que llamó "Las aventuras subterráneas de Alicia". Según los relatos del propio Dodgson, de Alice Liddell y de Duckworth, el autor improvisó la narración, que entusiasmó a las niñas, especialmente a Alice. La segunda fase comenzó cuando Dodgson decidió recrear aquellos relatos y escribir una historia con ellos. Esta decisión fue tomada tras la insistencia de las niñas, especialmente Alice, quienes habían quedado entusiasmadas por la historia. Según una carta enviada a Duckworth, pasó la noche en vela, dedicado a recordar la extravagante historia que había relatado a las niñas en el río. Sin embargo, Dodgson no comenzó la escritura inmediatamente. Según una entrada de su diario, fue cuatro meses después, el 13 de noviembre del mismo año, cuando Charles Dodgson comenzó a escribir el manuscrito de Las aventuras subterráneas de Alicia. Dodgson terminó de escribirlo en febrero de 1863, y en seguida procedió a hacer las ilustraciones, las cuales terminó en septiembre de 1864. Como detalle final, el autor incluyó un retrato ovalado de Alice Liddell en la última página. Alice Liddell recibió el manuscrito terminado e ilustrado por el autor, en noviembre de ese año.



Publicación

La fase final consistió en el desarrollo posterior del manuscrito hasta su versión definitiva. Según el diario de Dodgson, en la entrada del 9 de mayo de 1863, George MacDonald y su esposa le manifestaron su deseo de ver publicado el manuscrito. A Dodgson le agradó la idea, y comenzó a reescribir el manuscrito para su publicación. En el desarrollo del libro, Dodgson añadió dos capítulos, además de extender considerablemente otros dos. Las ilustraciones del manuscrito original estaban hechas a mano y con pluma. Esta vez, el autor trató de hacer un trabajo más refinado, intentando hacer los dibujos en madera. Después de varias tentativas, concluyó que este método le llevaría un tiempo superior al que podía dedicar a la tarea, por lo que decidió buscar a un ilustrador profesional. Dodgson procuraba obtener figuras de clara silueta, y pensaba que el ilustrador inglés John Tenniel era el más adecuado para el trabajo. En una carta dirigida al dramaturgo Tom Taylor, fechada el 20 de diciembre de 1863, Dodgson le solicita su intercesión para contactar a Tenniel y convencerlo de ilustrar la obra. Primera edición del libro, rechazada por Tenniel. Un mes después, Dodgson y Tenniel entraron en contacto, y, en abril de 1864, este último aceptó hacer treinta y cuatro ilustraciones, que pasarían a ser cuarenta y dos, en octubre de ese año. Dodgson le entregó una fotografía de la niña Mary Hilton Badcock para que la utilizara como modelo para Alicia. No se sabe si Tenniel aceptó la propuesta. Por un lado, por lo que se puede apreciar en las ilustraciones, parece que sí, pues la Alicia que Tenniel dibujó es muy semejante a Badcock. Sin embargo, una entrada en el diario de Dodgson da a entender que Tenniel había rechazado el utilizar un modelo, y creó la imagen del personaje desde cero. Mientras Tenniel hacía las ilustraciones, Dodgson pensó que el título original sonaba demasiado escolar, como si se tratara de un texto sobre minerales; por lo que se dedicó a barajar otros nombres para la obra. En junio de 1864, nuevamente consultó a Taylor a través de una carta. En esta le sugiere varios títulos, y le pide ayuda para escoger uno. Los títulos que Dodgson concibió eran La hora dorada de Alicia, Alicia entre los elfos, Alicia entre los duendes, y combinaciones de "La hora de Alicia...", "Acciones de Alicia...", "Las aventuras de Alicia..." con "...en el país de los elfos" o también "...en el país de las maravillas". En la misma carta, el autor expresa su preferencia por usar el título "Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas", título que fue finalmente adoptado. John Tenniel entregó las ilustraciones terminadas en mayo de 1865, y el libro fue publicado el 24 de mayo de ese año por Macmillan and Co., con un tiraje de dos mil ejemplares. Dodgson solicitó que le fueran reservados cincuenta ejemplares para sí. Sin embargo, Tenniel se mostró insatisfecho con el resultado de las impresiones, por lo que el libro no fue vendido en Inglaterra. En vez de eso, los ejemplares fueron vendidos al editor neoyorquino Appleton, quien cambió la portada y publicó la primera edición estadounidense. En Inglaterra, Macmillan preparó una nueva edición que apareció en el otoño de 1865, aunque con la fecha "1866" impresa. De los nuevos dos mil ejemplares, Dodgson solicitó que uno de ellos recibiera encuadernación especial, en vitela blanca, para obsequiarlo a Alice Liddell. El libro obtuvo gran popularidad en poco tiempo; las traducciones al alemán y al francés fueron publicadas en febrero y agosto de 1869, respectivamente. Años después, en 1890, Dodgson publicó una nueva versión de Alicia, llamada "Alicia para los pequeños" ("The nursery Alice"), orientada hacia los niños menores de cinco años.


Argumento

Antes de comenzar la novela, Lewis Carroll incluyó un poema que hace referencia a la gestación de la obra. En las siete estrofas del poema, Carroll recuerda el paseo en bote, y cómo las tres hermanas Liddell, llamadas en el poema Prima, Secunda y Tertia, insistieron repetidamente en escuchar una historia. La estrofa final es una clara dedicatoria a Alice Liddell.


Capítulo I: El descenso por la madriguera

El Conejo Blanco. Primera de las ilustraciones de John Tenniel para esta obra, aparece en el primer capítulo. Todo comienza cuando Alicia (la niña) se encuentra sentada en un arbol al aire libre aburrida junto a su hermana. La hermana leía un libro "sin ilustraciones ni diálogos", lo que hace que Alicia divague por el tedio. Repentinamente, aparece junto a ella un conejo blanco vestido con chaqueta y chaleco; que corre murmurando que llega tarde, mirando su reloj de bolsillo. Alicia se interesa por él y decide seguirlo e incluso entrar a su madriguera. La madriguera resulta ser un túnel horizontal más profundo que lo esperado, el cual súbitamente se convierte en un pozo vertical sin asidero alguno, por donde Alicia cae durante mucho tiempo recordando a su gato, y cosas que aprende en su escuela y preguntándose si algún día llegará al suelo. En el trayecto, Alicia se pregunta si el túnel la hará llegar a las "antipáticas", confundiendo el término con las antípodas. Al finalizar su caída y sin haberse hecho daño, Alicia entra en un mundo de absurdos y paradojas lógicas. El conejo había desaparecido, y Alicia encuentra una pequeña botella, la primera de varias que encontraría en su aventura, que sólo dice «BÉBEME», lo que Alicia hace atraída por la curiosidad. La poción encogió a Alicia hasta hacerla medir veinticinco centímetros de altura. A continuación, Alicia intenta abrir una pequeña puerta para continuar explorando el mundo nuevo. A través de la puerta se atisba un atractivo jardín, pero la llave que abre la puerta está sobre una mesa que Alicia no puede alcanzar, debido a su nueva estatura. La niña intenta entonces recuperar su estatura original, comiendo un pastel que encuentra con el letrero «CÓMEME».


Capítulo II: En un mar de lágrimas

El pastel tiene el efecto esperado, y Alicia crece más de dos metros. Con su nueva altura, la niña consigue tomar la llave, pero al no parar de crecer, choca contra el techo y queda imposibilitada de acceder a la puertecita. Alicia comienza entonces a llorar, llenando la habitación con un charco de lágrimas de diez centímetros de profundidad. En eso, el Conejo Blanco pasa nuevamente frente a Alicia, apresurado. Sin querer, el conejo dejó caer un abanico, que Alicia utiliza para refrescarse. El abanico resulta ser mágico, pues consigue que Alicia comience a encoger de nuevo, hasta que lanza lejos el abanico para detener el proceso. El charco de lágrimas es ahora un mar donde Alicia se ve forzada a nadar para no ahogarse. A su lado pasa nadando un ratón, y Alicia intenta entablar conversación con él. El Ratón se ofrece a guiarla hasta la orilla. En el camino, Alicia ve que otros animales también se encuentran nadando y tratando de salir del mar de lágrimas. Entre los animales, Alicia distingue a un Pato, un Dodo, un Aguilucho y un Loro.


Capítulo III: Una carrera en comité y un cuento largo y con cola

En este capítulo, Alicia y los animales consiguen llegar a tierra firme. El Dodo organiza una carrera para secarse. La carrera no tiene reglas ni duración definida, salvo correr en círculos, lo que hacen todos hasta quedar secos. El Dodo también decide declarar ganadores de la carrera a todos los participantes, y decide que Alicia es quien otorgará los premios. Ante el acoso general, Alicia hurga en sus bolsillos y encuentra varios confites, que reparte entre todos. Como la niña también fue ganadora de la carrera, pero no recibió confite, su premio es un dedal que ella misma tenía en el bolsillo, y que da al Dodo para que, simbólicamente, éste entregue el premio. El capítulo finaliza con el relato del Ratón, donde explica la razón de su odio hacia los gatos y los perros. Imprudentemente, Alicia menciona a su gata Dina y su habilidad para cazar ratones, consguiendo así hastiar a todos los animales, que se retiran hasta dejar a la niña sola nuevamente. El nombre del capítulo es un juego de palabras en inglés. En este idioma, el Ratón cuenta un "cuento", o tale, y Alicia se confunde con la palabra tail, cuya pronunciación es casi igual, y significa "cola".


Capítulo IV: La habitación del Conejo Blanco

En este capítulo, tras haberse quedado nuevamente sola, Alicia ve pasar nuevamente al Conejo Blanco. El animal está buscando su abanico desesperadamente, y al ver a Alicia, la confunde con su criada Mary Ann, y le exige que vaya a buscar el abanico a su casa. Alicia obedece, fingiendo ser Mary Ann, para no entrar en discusiones; y llega a una casa en cuya puerta dice "C. BLANCO". Cuando Alicia entra, sube a un cuarto donde encuentra el abanico, y otra botella con líquido. A pesar de que la botella no tenía letrero alguno, esta vez Alicia bebe por curiosidad, ya que todas las bebidas de ese mundo le han provocado efectos sorprendentes. Esta no es la excepción, y el tamaño de Alicia aumenta hasta hacerla quedar atorada dentro de la habitación. Cuando el Conejo Blanco llega a reclamar su abanico, solo ve un enorme brazo saliendo de la ventana en el piso superior de su casa. El conejo va entonces a pedir ayuda, ignorando que el brazo pertenece a una níña gigante; y la multitud que se reúne afuera comienza a proponer varias soluciones para retirar al brazo, llegando a proponer el prender fuego a la casa. El capítulo termina cuando la multitud comienza a arrojar panecillos mágicos por la ventana. Alicia come algunos y disminuye de tamaño hasta poder salir de la casa. Alicia huye de la multitud y se pierde en un bosque cercano, donde se detiene frente a una seta gigante. Algunas ilustraciones de los primeros cuatro capítulos: tras haber caído por la madriguera, Alicia encuentra una puertecita; Alicia nada y encuentra al Ratón; el Ratón, contando su cuento con cola; Alicia queda atrapada en la casa del conejo.


Capítulo V: El consejo de una oruga

Encima de la seta gigante, Alicia encontró sentada a una oruga azul, fumando un narguile. La Oruga, de manera prepotente, interrogó a la niña sobre su identidad. Ésta no pudo responder de una manera sencilla, pues consideraba que tras haber cambiado de tamaño varias veces, su propia identidad se había perdido y en ese momento ella misma ya no sabía quién era. Ambos personajes discuten entonces hasta volver al punto de inicio más de una vez. Finalmente, Alicia expresa su inconformidad con su estatura actual de siete centímetros, al considerarla una birria. Como esa era la altura de la Oruga, el animal se retira ofendido, no sin antes indicarle a Alicia que la seta también puede afectar su estatura, para disminuirla, si comía de un lado de la seta; o para aumentarla, si comía del otro. Como Alicia no podía saber qué lado era cual, cortó dos pedacitos de los extremos opuestos. Al probarlos, los pedacitos surtieron el efecto esperado: uno hacía que Alicia encogiera, mientras que el otro estiraba su figura, desproporcionándola. Alicia tuvo que comer varias veces de cada uno de los pedazos hasta alcanzar una estatura satisfactoria. Finalmente, Alicia vio una casita de un metro y veinte de altura, a la que decidió llamar, por lo que ajustó su estatura a veinticinco centímetros.


Capítulo VI: Cerdo y pimienta

Antes de que Alicia se decidiera a aproximarse a la casita, surgió del bosque quien parecía ser un lacayo, pero con cabeza de pez. El lacayo llamó a la puerta y apareció un segundo lacayo, con cabeza de rana. Alicia escuchó que el Lacayo Pez traía una invitación para la Duquesa, dueña de la casa, de parte de la Reina de Corazones, para jugar al croquet. Acto seguido, el Lacayo Pez se fue, y el Lacayo Rana se quedó sentado fuera de la casa. Alicia quiso primero llamar a la puerta para entrar, y segundo que el Lacayo Rana le abriera la misma. Sin embargo, el Lacayo Rana no tenía intenciones de abrir la puerta, ni de conversar con Alicia, por lo que la niña simplemente abrió la puerta ella misma y entró a la casa. Dentro de la casa estaba la Duquesa, sosteniendo a un bebé, y junto a su cocinera que preparaba una sopa que, a juzgar por el ambiente, tenía demasiada pimienta. También estaba en el suelo un gato sonriente, al que la Duquesa presentó como un gato de Cheshire. La Duquesa entregó al bebé a Alicia para que lo arrullara un poco, y aprovechó para desaparecer arguyendo que debía asistir al juego de croquet de la Reina. Cuando Alicia intentó mecer al bebé, que se movía incansablemente, éste comenzó a transformarse en un cerdo. Alicia salió de la casa y puso al cerdo en libertad. La niña continuó su camino por el bosque, donde reencontró al Gato de Cheshire, quien la invita a visitar al Sombrerero o a la Liebre de Marzo. Alicia decide ir a la casa de esta última.


Capítulo VII: Una merienda de locos

Cuando Alicia llega a la casa de la Liebre, observa que ésta, el Sombrerero y un Lirón se encuentran tomando el té al frente de la casa. Alicia se une a los comensales, y comienza a conversar con ellos. En el transcurso de la conversación, Alicia menciona que la fecha es 4 de mayo (coincidentemente, es la fecha de nacimiento de Alice Liddell). Los personajes hacen una serie de acertijos y confunden a Alicia con su aparente falta de lógica, hasta que la niña abandona el lugar, convencida de haber asistido al "té más insufrible" que había visto en su vida. A continuación, Alicia encuentra una puertecita en un árbol, la cual atraviesa para entrar al jardín de croquet.


Capítulo VIII: El croquet de la reina

Alicia tratando de dominar a su flamenco para comenzar el juego de croquet. El rey y la reina de corazones, así como sus súbditos, son naipes de una baraja inglesa. Aunque los corazones son el único palo mencionado expresamente en el texto, gracias a las ilustraciones de este capítulo se deduce que los palos de tréboles, picas y diamantes también se encuentran en el jardín. En la entrada del jardín, Alicia encuentra a un trío de jardineros pintando un rosal. Los jardineros habían plantado un rosal blanco donde debía haber uno de color rojo, por lo que estaban pintando las rosas apresuradamente, antes de que la reina descubriera el error. Sin embargo, los reyes de corazones y su cortejo pasaron por allí. La reina, al descubrir la treta de los jardineros, ordena que sean decapitados. Para evitarlo, Alicia esconde a las cartas en una maceta, y los verdugos, para salir del aprieto, hacen creer a la reina que ya cumplieron con la sentencia. La reina ordena entonces que la comitiva vaya hacia donde se jugará al croquet, invitando a Alicia a participar en el juego. Alicia acompaña al grupo, y percibe que a su lado va el Conejo Blanco, quien estaba aterrado por la imponente presencia de la reina. El Conejo casi no habló en el trayecto, más que lo suficiente para informar a Alicia que la Duquesa había sido hecha prisionera por llegar tarde al juego. Una vez en el campo, Alicia vio que el juego tenía características peculiares: en vez de bolas, se usaban erizos; y en vez de mazos, flamencos. Tampoco había arcos, pero en su lugar, los naipes se colocaban en cuatro patas para marcar el curso del juego. Todo el mundo jugaba sin ningún orden, discutiendo continuamente, los erizos escapaban cuando podían, y la Reina de Corazones ordenaba que le cortaran la cabeza a todo el que se le ocurría. En medio del caos, apareció en el aire la cabeza del Gato de Cheshire, y Alicia se sintió aliviada de poder conversar con alguien conocido. El Rey de Corazones se sintió intrigado por el gato. La reina, al ver al gato, como era su costumbre, ordenó que le cortasen la cabeza. El verdugo y el rey se confundieron terriblemente pues el gato sólo había hecho aparecer su cabeza y no era evidente que hubiera un cuerpo de dónde cortarla. Alicia sugirió que para aclarar la confusión, habría que preguntarle a la Duquesa que, al fin y al cabo, era la dueña del gato. La reina ordenó entonces que se liberase a la Duquesa de la cárcel. Sin embargo, cuando la Duquesa llegó al jardín, el gato había desaparecido nuevamente. Algunas ilustraciones de capítulos V al VIII: Alicia discute con la Oruga azul; el Lacayo Rana y el Lacayo Pez; el Sombrerero y la Liebre de Marzo metiendo al Lirón a la tetera; el rosal que se alzaba a la entrada del campo de croquet.


Capítulo IX: Historia de la Falsa Tortuga

En este capítulo, la Duquesa se porta muy amable con Alicia, contrariamente a lo relatado en el capítulo VI, lo que hace a Alicia pensar que tal vez la pimienta tiene un efecto negativo en el carácter de la gente; concluyendo también que el vinagre y la manzanilla deben ser también negativos, y es preferible el consumo de azúcares y golosinas para tener buen carácter. Alicia notó, además, que la Duquesa era feísima. Mientras Alicia y la Duquesa conversaban amistosamente, llegó la Reina de Corazones y ahuyentó a la Duquesa, quien no vuelve a aparecer en la obra. En ese momento, la reina parece haberse olvidado del juego de croquet, del gato y de sus súbditos, pues lleva a Alicia ante un grifo durmiente, y le pide a éste que lleve a la niña a donde se encuentra la Falsa Tortuga, para que le cuente "su historia". El Grifo[12] obedece, y transporta a Alicia a donde se encuentra una criatura sollozante, con caparazón de tortuga, pero cabeza y patas de novillo.

Capítulo X: La cuadrilla de la langosta

En este capítulo, la Falsa Tortuga canta una canción sobre un baile de langostas en el fondo del mar. Alicia, por su parte, narra sus aventuras desde que cayó por la madriguera del Conejo Blanco. El Grifo y la Falsa Tortuga escuchan hasta el encuentro con la Oruga Azul, y encuentran que la historia es muy extraña. La Falsa Tortuga canta entonces una canción sobre la sopa de tortuga, y súbitamente son interrumpidos por un grito lejano, que anuncia el comienzo de un juicio. El Grifo toma a Alicia y la lleva corriendo al juicio, mientras la Falsa Tortuga se queda, terminando su canción.


Capítulo XI: ¿Quién robó las tartas?

El Conejo Blanco, vestido como heraldo de la corte. Cuando Alicia llega a donde se efectuará el juicio, ve que se ha constituido un jurado de animales frente a los tronos del Rey y la Reina de Corazones; alrededor de los cuales estaba el mazo de naipes y una multitud de animales espectadores. El acusado era la Sota de Corazones, y el Conejo Blanco fungía de heraldo de la corte. Según un poema recitado por el conejo, la Sota era acusada de haber robado las tartas que la reina preparó en un día de verano. El Sombrerero fue llamado como primer testigo, y acudió acompañado de la Liebre de Marzo y el Lirón. El testimonio del Sombrerero rápidamente derivó en una discusión con el Rey de Corazones, quien estaba intrigado por la etiqueta del sombrero, y por el té que el Sombrerero tomaba antes de llegar. Mientras esta discusión tenía lugar y los personajes dejan de prestar atención al juicio, Alicia comienza a crecer repentinamente. El capítulo termina cuando el Conejo Blanco llama a Alicia como siguiente testigo.


Capítulo XII: La declaración de Alicia

El capítulo final comienza narrando la participación de Alicia en el juicio. Habiendo olvidado que súbitamente recuperó su altura normal, se levanta para comparecer como testigo y derriba sin querer todo a su alrededor. El testimonio de Alicia termina en seguida, al preguntarle el rey qué sabe de este asunto, a lo cual Alicia responde que nada. Acto seguido, el Conejo Blanco lee la última prueba de la que dispone: una carta sin firma que, en forma de poema, describe cómo las tartas regresan a su dueña original. Cuando el rey analiza los versos, todos ven que las tartas, en efecto, se encuentran sobre la mesa. La reina, sin embargo, insiste en dar una sentencia a la Sota, incluso antes de escuchar un veredicto del jurado. Alicia encuentra absurda la situación, y la reina ordena entonces que sea decapitada. Cuando las cartas saltan para atacar a Alicia, ésta vuelve súbitamente al regazo de su hermana. El lector percibe entonces que la niña se había quedado dormida, y que tras el sueño fantástico, despertó al sentir que unas hojas de árbol caían sobre su rostro. Acto seguido, Alicia cuenta el sueño a su hermana, y va a prepararse para tomar el té vespertino. El capítulo termina narrando cómo la hermana de Alicia se queda bajo el árbol, recordando la historia que Alicia relató. Algunas ilustraciones de los capítulos IX al XII: Alicia conversa amigablemente con la Duquesa; Alicia y el Grifo escuchan la canción de la Falsa Tortuga; el Sombrerero es llamado como testigo en el juicio, en su sombrero se conserva la etiqueta del precio de venta; cuando Alicia se levanta para testificar en el juicio, derriba sin querer todo a su alrededor.


Impacto de Alicia en la cultura

La novela ha inspirado numerosas obras de teatro, pantomimas, musicales, ballets y óperas, entre otras manifestaciones artísticas. La naturaleza de estas obras varía desde adaptaciones relativamente fieles a la obra de Carroll; hasta obras completamente nuevas que toman como base a los personajes, situaciones o escenarios creados por Carroll. Del mismo modo, Alicia y sus personajes han inspirado canciones y videoclips de artistas como Gwen Stefani, The Beatles, Tom Waits y Tom Petty. En 1969, Salvador Dalí hizo trece ilustraciones basadas en Alicia en el país de las maravillas. Alicia también ha sido fuente de inspiración para numerosas obras literarias. Destaca la novela Finnegans Wake, del escritor irlandés James Joyce, publicada en 1939.


Adaptaciones cinematográficas

Desde 1903, fecha de su primera adaptación cinematográfica, obra de Cecil Hepworth, el libro ha sido llevado al cine más de una decena de veces. Es especialmente conocida la versión de dibujos animados producida por Walt Disney en 1951. Esta película combina elementos de la novela original y de su continuación, A través del espejo; y sin embargo, se titula simplemente Alicia en el país de las maravillas. La obra ha sido también inspiración para parodias cinematográficas en repetidas ocasiones. Actualmente se está filmando una nueva versión cinematográfica, dirigida por el aclamado director Tim Burton, y que cuenta con la participación de Johnny Depp, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Alan Rickman y Christopher Lee.